草間彌生Yayoi Kusama /友禪

日本友禪染以京都的京友禪及金澤的加賀友禪最知名。京友禪以圖案為主，加賀友禪從花鳥入手，京友禪淡彩輕盈，加賀友禪濃豔豐富，

在草間彌生的鏡屋體驗45秒靈魂出竅的奇幻

設計WILLIAM GRIMES2013年12月03日

草間彌生在切爾西的大衛·茨維爾納畫廊的裝置是一個鑲嵌着鏡子的房間，裡面裝有75個彩色LED燈泡。

紐約——亞當·弗里德曼(Adam Friedman)從草間彌生(Yayoi Kusama)的「無限房間」里走出來，離開了房間里閃爍的燈光和光影搖曳的水面。他尋找着合適的字彙。「飄渺，」他說。停頓了一下。「寧靜」。又停頓了 一下。「寧靜、飄渺、玄寂，兼而有之。」

這就是當時來之不易的幾個形容詞。今年28歲的弗里德曼來自新澤西 高地公園，是一名電腦銷售，他剛剛在切爾西的大衛·茨維爾納畫廊(David Zwirner)排了近三個小時的隊，這期間，他冒着斷斷續續的雨緩慢地移動，這一切都是為了一個非常短暫的回報：在一個鑲滿了鏡子、掛着75個彩色 LED燈泡的房間待上45秒鐘。這些燈泡如脈動般時明時暗，營造着一個天宮般的唯美場景。通常每天大約有2500人來到彌生的私人宇宙參與這個短暫的體 驗。她的由多個部分組成的展覽「已到達天堂的我」(I Who Have Arrived in Heaven)於11月8日開幕，幾乎從一開始，「無限鏡屋——數百萬光年以外的靈魂」(Infinity Mirrored Room — The Souls of Millions of Light Years Away)就成為了藝術領域備受矚目的展覽，可以媲美今年在現代藝術博物館(Museum of Modern Art)展出的大型裝置藝術「雨屋」(Rain Room)。

安妮塔·拉古薩(Anita Ragusa)是大衛·茨維爾納在19街的多家畫廊的經理，她說，「開幕那天也有人排隊。而且在社交媒體上傳播之後，再加上朋友之間的推薦，大家都想要一睹這個展覽的風采。」

上午10點開門之前，一般就有人開始排隊了。整整一天，由於維持秩序的講解員每次只允許一到兩人進入這個閃閃發光的房間，等候的隊伍一直以極慢的速度移動，那速度穩定而規律的如同靜脈點滴。展覽每天大約能接待1000人，將持續到12月21日。

此次展覽的參觀者並非平常常去藝術館的人群。多虧了社交媒體，尤其 是Instagram上的照片，讓這次展覽的消息傳到了一個主要由年輕人組成的廣泛群體：遊客、學生，以及喜愛草間彌生作品的人。去年在惠特尼美術館 (Whitney Museum of American Art)，這些粉絲曾在草間彌生的回顧展上欣賞過她的裝置作品《水上螢火蟲》(Fireflies on the Water)。

所有人都會從「鏡屋」那裡得到一些感受，它是死亡和後世的映像。「鏡屋」是一個大型衣帽間大小的屋子裡的天文館，既宏大又讓人覺得親密，把內部空間和外部空間、科學和神秘、個人元素和非個人元素融合在了一起。

這裡也非常適合自拍。只需一摁，就能看到自己的照片。照片上的你或許正漂浮在宇宙中，或是有好多個你，你的鏡像被不斷複製。

現已80多歲的日本藝術家草間彌生刺激了一組非常現代的神經末梢。 她最近的作品的爆發與相關類別藝術作品的激增不謀而合，這些作品的設計是為了讓觀賞者體驗靈魂出竅的經歷。在最近的展出中，像道格·惠勒(Doug Wheeler)和詹姆士·特里爾(James Turrell)這樣的視覺藝術家吸引了大量人群。觀眾被會讓空間發生扭曲的光束包圍着。在像Punchdrunk劇團《不再入眠》(Sleep No More)這樣的浸沒戲劇表演中，觀眾和表演者交織在一起，在很大程度上構建了他們自己的舞台經歷。

「不管是在有舞台拱幕的劇院，還是在傳統的藝術博物館，電子遊戲和 網絡的本質已經把人們訓練得不想只是靜靜地坐在那裡觀賞了，」《浸沒式的藝術：數字一代如何重塑好萊塢、麥迪遜大道以及敘事方式》(The Art of Immersion: How the Digital Generation Is Remaking Hollywood, Madison Avenue, and the Way We Tell Stories)一書的作者弗蘭克·羅斯(Frank Rose)說。「人們對更能讓人身臨其境、更能刺激感官的作品的需求很大，在這種作品當中，你可以扮演某種活躍的角色。你可以動用所有感官來體驗，一切盡 在你周圍。」

陪弗里德曼一起來的彼得·王（Peter Wong，音譯)25歲，是一名電腦技術人員。他從未參觀過藝術展。「我是學工程的，」他說，「一直以來我接觸的都是數字。」他在網站Gizmodo上看到了草間彌生裝置作品的相關新聞。

28歲的紐約人薩拉·布拉德菲爾德(Sarah Bradfield)目前住在亞特蘭大，她說，她不熟悉這名藝術家，不過她看到了Instagram上的帖子。和隊伍里其他幾位一樣，她帶着一個小孩。

54歲的南希·倫德布耶格(Nancy Lundebjerg)是美國老年醫學會(American Geriatrics Society)的一名管理人員，她說，當自己的一名朋友在Instagram上貼出了一張「鏡屋」的照片時，她感到妒忌。她全副武裝地帶了一部智能手機 和一部像模像樣的佳能(Canon)相機，準備進行反擊。

一旦開始排隊，就幾乎沒有人會中途放棄。他們會參觀畫廊里三個相連的房間，離開後再重新加入隊列。

最終，「鏡屋」的門開了，排在隊伍前頭的幾名幸運者被引導入內。這 是最後階段了，講解員們真正開始他們的工作。保羅·尼森鮑姆(Paul Nissenbaum)兼具門童、門衛、計時員和社工的職責，他把滿懷希望的人們帶入一間等候室，引導他們坐在長椅上，開始音樂椅的遊戲。

每隔45秒，當一名參觀者出來以後，隊伍會向前移動，坐在長椅上的人會步調一致地往前移動。尼森鮑姆一邊指揮着這種幼兒園遊戲的進行，一邊還要維護鏡屋的秩序。當手持的秒錶嘟嘟作響時，他會輕輕敲門，然後陪伴着裡面的參觀者返回光線強烈的等候室，一路還會說些玩笑話。

彼得·王離開「鏡屋」後說，「有一種永恆的感覺。非常離奇，你見識了自己的渺小，不過，你也見識到萬物是如何完美共生的。」

30歲的瑪麗娜·克洛塔羅娃(Marina Kalontarova)是紐約人，剛從一所醫學院畢業，她走出時面帶微笑。她說，「我想，她和我對天堂的想像真的很像。」

翻譯：王湛、陳亦亭、張薇

設計WILLIAM GRIMES2013年12月03日

纽约时报中文网

Lights, Mirrors, Instagram! #ArtSensation

By WILLIAM GRIMESDecember 03, 2013

Yayoi Kusama’s installation at the David Zwirner Gallery in Chelsea features 75 colored LED bulbs in a mirror-lined room.

Benjamin Norman for The New York Times

NEW YORK — Adam Friedman emerged from the twinkling lights and reflecting water of Yayoi Kusama’s “infinity room” and groped for the right words. “Ethereal,” he said. Pause. “Calming.” Another pause. “Calming, ethereal and meditative, all at the same time.”

These were hard-won adjectives under the circumstances. Mr. Friedman, a 28-year-old computer salesman from Highland Park, N.J., had just spent nearly three hours in line at the David Zwirner Gallery in Chelsea, pelted intermittently by sleet and rain, inching slowly toward a very brief reward: 45 seconds in a mirror-lined room hung with 75 colored LED bulbs that flickered and pulsed in a celestial celebration. On a typical day, about 2,500 people turn out to take this brief trip to Ms. Kusama’s private cosmos. Almost from the moment that her multipart exhibition, “I Who Have Arrived in Heaven,” opened on Nov. 8, “Infinity Mirrored Room — The Souls of Millions of Light Years Away” has become an art-world attraction to rival “Rain Room,” the immersive installation presented at the Museum of Modern Art this year.

“We had lines at the opening,” said Anita Ragusa, the manager of David Zwirner’s 19th Street galleries. “Once it hit social media, and people told their friends about it, everyone wanted to make sure to see it.”

The line usually begins forming about an hour before the gallery opens at 10 a.m. Throughout the day, it moves at a snail’s pace, as docents, hired to manage the flow, admit one or two people at a time to the twinkling-lights chamber, with the slow, steady regularity of a drip feed. About 1,000 will make it in. The show closes Dec. 21.

It is not the usual gallery crowd. Social media, especially photographs on Instagram, have spread the word to a broad, mostly young, demographic: tourists, students, followers of Ms. Kusama’s work, who saw her installation “Fireflies on the Water” at the retrospective of her work at the Whitney Museum of American Art last year.

“Mirrored Room” offers a little something for everyone. It is a reflection on death and the afterlife. It is a planetarium contained in a room the size of a large walk-in closet. Cosmic and intimate at the same time, it merges inner and outer space, science and mysticism, the personal and the impersonal.

It also makes for the ultimate selfie. One click and there you are, floating in the universe, or rather, multiple yous, replicated over and over.

Ms. Kusama, the Japanese artist, now in her 80s, has stimulated a very contemporary set of nerve endings. Her recent work dovetails with a surge in artwork designed to propel viewers into an out-of-body experience. Visual artists like Doug Wheeler and James Turrell, who swaddle audiences in space-bending projected light, have pulled large crowds in recent shows. In immersive theater productions like Punchdrunk’s “Sleep No More,” audiences mingle with performers and, to a large extent, construct their own stage experience.

“Video games and the nature of the web have trained people not to want to sit still and look, whether it’s in a proscenium-arch theater or a traditional art museum,” said Frank Rose, the author of “The Art of Immersion: How the Digital Generation Is Remaking Hollywood, Madison Avenue, and the Way We Tell Stories.” “There’s a huge appetite for something more immersive and sensory, in which you can take a somewhat active role. You experience it with all your senses, and it’s all around you.”

Peter Wong, 25, a computer technician accompanying Mr. Friedman, had never been to an art exhibition. “I was an engineering major,” he said. “It’s always about numbers for me.” He read about Ms. Kusama’s installation on the web site Gizmodo.

Sarah Bradfield, 28, a New Yorker now living in Atlanta, said that she was not familiar with the artist but she had seen postings on Instagram. Like several others in the line, she had a small child in tow.

Nancy Lundebjerg, 54, an executive with the American Geriatrics Society, said that she became jealous when a friend posted a photograph of “Mirrored Room” on Instagram. She came loaded and ready to fire back, carrying a smartphone and a serious-looking Canon camera. 

Once in the line, remarkably few people bail out. Instead, they work the gallery’s three connecting rooms, leaving and rejoining the line. 

Eventually, the door to the “Mirrored Room” swings open, and the lucky few at the head of the line are ushered inside. This is the final phase, when the docents really go to work. Paul Nissenbaum combined the functions of a doorman, bouncer, clocker and social director, herding the hopefuls into an antechamber and directing them to benches, where a game of musical chairs commenced.

Every 45 seconds, as a visitor exits, the queue shifted forward and rear ends wiggled down the benches in a synchronized wave. While Mr. Nissenbaum choreographed this kindergarten exercise, he also policed the mirrored room. Knocking discreetly on the door when his hand-held timer beeped, he escorted the visitor within back into the glare of the stark white waiting room all the while keeping up a friendly patter.

“It felt like eternity,” Mr. Wong said, after leaving the room. “Very surreal, seeing how small you are but how beautifully everything works together.”

Marina Kalontarova, 30, a New Yorker fresh out of medical school, emerged with a smile on her face. “I think she and I have a really similar idea of heaven,” she said.

這個夏天，草間彌生要帶上愛麗絲一起夢遊仙境囉~
草間彌生是日本著名的當代藝術家，作品裡面給人最鮮明的印象就是很多很多的點點圖案。
這次由她操刀插圖的《愛麗絲夢遊仙境》讓這個原本就家喻戶曉的夢幻故事，讀起來有更超脫現實的表現，喜歡這個故事或是草間大師的朋友們真的不要錯過收藏這個版本歐！

《草間彌生Ｘ愛麗絲夢遊仙境（書盒版）》http://bit.ly/18H3XOs
*圖片為原文版本

 

Kosuke Okahara for The New York Times

The Benesse House Museum on Naoshima island, where museums, installations and cutting-edge architecture blend with nature in novel ways. A “pumpkin” by Yayoi Kusama looks over the Seto Inland Sea.Yayoi Kusama (草間 彌生 or 草間 弥生 Kusama Yayoi^?, born March 22, 1929)

日語寫法
日語原文	草間 彌生
假名	くさま やよい
平文式羅馬字	Kusama Yayoi

2006年草間彌生在新加坡雙年展的作品

草間彌生（1929年3月22日－），被稱為日本現存的經典藝術家，出生於日本長野縣松本市，在1956年移居美國紐約市，並開始展露她佔有領導地位的前衛藝術創作，現居住在日本東京。她曾與當代其他藝術家如安迪·沃荷、克拉斯·奧爾登堡、賈斯培·瓊斯一起聯展。

目錄 1 簡史 1.1 童年與青年時期 1.2 1950年代到1970年代 1.3 1980年代之後 2 特色 3 外部聯結

簡史

童年與青年時期

• 1939年，草間彌生約10歲時，開始被大量幻覺困擾，因而時常有自殺企圖。她留有當時為母親畫的鉛筆畫，畫中就已充滿了小圓點。
• 青年時就讀日本長野縣松本女子學校，畢業後到京都市立工藝美術學校（現在的京都市立銅駝工藝美術高等學校）主修日本畫。

1950年代到1970年代

• 1951年，青年時的繪畫作品《彷徨的夢》（Zanmu）獲得日本第二屆創作獎入選。
• 1954年， 草間在繪畫作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表達：「某日我觀看著紅色桌布上的花紋，並開始在周圍尋找是不是有同樣的花紋，從天花板、窗戶、牆壁 到屋子裡的各個角落，最後是我的身體、宇宙。在尋找的過程中，我感覺自己被磨滅、被無限大的時間與絕對的空間感不停旋轉著，我變的渺小而且微不足道。剎那 間，我領會到這不是只有我的想像、而且是現實中的狀況、我被嚇到了。於是我對於紅色桌布和上面的花紋產生了強烈的恐懼，我認為它就像是咒語，正在剝奪我的 生活，我衝上階梯企圖逃離，但階級卻在我腳下散開，於是我從上面跌下來，腳腕也扭傷了。」
• 1955年，與美國女畫家喬治亞·歐姬芙通信，也寄自己的水彩畫給她，並開始準備到美國。
• 1957年，移居美國，大部份時間都在紐約市創作，並開始有「前衛的女王」之稱。
• 1960年代參加了許多反戰運動。
• 1962年，在紐約市的綠藝廊參加了七人聯展，展出作品是軟雕塑，參展藝術家包括了安迪·沃荷、克勒斯·歐登柏格。
• 1965年，在紐約展出《無限鏡屋》（Infinity Mirror Room），個人特色（白底紅點、大面鏡、藝術家站在中央）相當引起注意。
• 1966年，作品《無限的愛》（Love Forever），使用小圓燈泡和大面鏡無限反射的空間裝置，造成了相當視覺迷幻的作品，可說是草間的成名作。該年受邀參加了第33屆威尼斯雙年展。作品名為《那克索斯的花園》（Narcissus Garden），以1500個金色鏡球（內部是塑膠製）裝置組成，放在Italian Pavilion戶外展場上，草間本人穿著金色和服端坐其中。並立牌告示一個金球價格美金2元。由於她作品中強調藝術應如超市可銷售的概念，引起了不少的爭議。
• 1968年，創作短片「消滅自己」（草間の自己消滅）得到了比利時第四屆國際短片大獎與第二屆日本聯合樹下電影節（アン・アーバー映画祭）的銀獎。
• 1973年，返回日本。
• 1978年，在日本出版了第一本小說《曼哈頓企圖自殺慣犯》（マンハッタン自殺未遂常習犯）

1980年代之後

• 1983年，新小說《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）獲得日本第10屆野性時代新人文學獎。（此書在1999年有中文翻譯，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374）
• 1993年，代表日本參加威尼斯雙年展。日本《美術手帖》1993年6月 專輯
• 1998年，參加了台北雙年展。
• 2000年，參加澳洲雪梨2000雙年展。作品是1965年的《無限鏡屋》（此作品在1998年用同樣的材質複製，原作已毀損。整個作品空間為250 x 500 x 500 公分）
• 2001年，獲得日本朝日賞Asahi Prize。
• 2002年，出版自傳《無限的網》。
• 2003年，在日本與美國展開了長期的巡迴回顧展。並獲法國文化部頒發藝術及文學騎士勳章（Chevalier de l'ordre des arts et des lettres）
• 今日她住在東京的心理治療所中，並以七十多歲的高齡繼續從事藝術創作，她的工作室離治療所不遠，她曾經常對媒體表示「如果不是為了藝術，我應該很早就自殺了。」

特色

草間彌生的創作被評論家歸類到相當多的藝術派別，包含了女權主義、極簡主義、超現實主義、原生藝術（Art Brut）、普普藝術和抽象表現主義等。但在草間對自己的描述中，她僅是一位「精神病藝術家」（obsessive artist）。從她的作品中可以看到，她企圖呈現的是一種自傳式的、深入心理的、性傾向的內容；草間所用的創作手法則有繪畫、軟雕塑、行動藝術與裝置藝術等。
草間在相當早的創作時期就發展出了自己的特色，她善用高彩度對比的圓點花紋加上鏡子， 大量包覆各種物體的表面，如牆壁、地板、畫布、家裡會出現的物品（還有裸體的助理）。她自己的打扮往往也與作品有很高的同質性，並以短上衣和非常強烈的眼 影妝聞名。草間曾說明這些視覺特色都來自於她的幻覺，她認為這些點組成了一面無限大的補捉網（Infinity nets），代表了她的生命。
此外，草間也發展出自己獨特的「繁殖」特色，她有許多作品都以蕈類聚生的造型出現。在1990年代之後，草間加入了商業藝術的領域，與時裝設計界合作，推出了帶有濃厚圓點草間風格的服飾，並開始販賣許多藝術商品。
草間也算是日本當代作家之一，自她在1978年回到日本定居之後，陸續出版了含自傳在內有10幾本書籍。除了前面生平提到的幾本重要小說之外，還包 括了《聖馬克教堂的燃燒》（1985年）、《天地之間》（1988年）、《拱形吊燈》（1989年）、《櫻塚的雙重自殺》（1989年）、《如此之憂》 （詩集，1989年）、《鱈魚角的天使》（1990年）、《中央公園的毛地黃》（1991年）、《沼地迷失》（1992年）、《紐約故事》（1993 年）、《螞蟻的精神病院》（1993年）、《堇的強迫》（1998年）、《1969年的紐約》（1998年）

外部聯結

• 草間彌生的官方網站
• 草間彌生的繪畫與生平－英文
• 張麗華老師藝術與人文網站：怪婆婆的前衛畫家—草間彌生－中文

「ただのカバンでなく思想」草間さんとヴィトンがコラボ

自身がデザインした水玉模様のバッグが展示された店内を回る草間彌生さん＝２０日夜、東京・銀座、遠藤啓生撮影

草間彌生さんのデザインを取り入れたルイ・ヴィトンのバッグ「モノグラム・ヴェルニ・ドット・インフィニティ」。２５０，９５０円（税込み）

　フランスの高級ブランド、ルイ・ヴィトンが、世界的な前衛芸術家、草間彌生さんの独特なデザインをバッグなどに取り入れた。東京・銀座では２０日、草間 さんを招いて新商品のお披露目があり、草間さんは「これはただのカバンではなく、思想です。世界に向けて、平和と生きる感動を伝えたい」と話した。
　コラボ商品は、コートや財布なども含め約８０タイプ。草間さんの代表的なモチーフである幻惑的な水玉模様やカボチャの柄などが、ルイ・ヴィトンの頭文字を組みあわせたブランドのシンボルと合わさり、目を引く。

圖輯：草間彌生作品在英展出